Bio

Née (1972) et élevée à Buenos Aires, Astrid Dick travaille et vit à Paris depuis deux décennies.

Dick a été galardonée la bourse Milton et Sally Michel Avery dans les Arts Visuels à Yaddo et à l'Atlantic Centre for the Arts, entre autres, et a montré son travail à travers des expositions individuelles et collectives en Europe, aux États-Unis et en Argentine, tel que le Grand Palais à Paris et le Manoir de la Ville de Martigny, Suisse.

Plus récemment, elle a exposé aux Moments Artistiques de Christian Aubert à Paris, à la MDavid & Co. Gallery et à la Below Grand Gallery à New York, à la Johnson Lowe Gallery à Atlanta, et son travail a été revu par John Yau dans Hyperallergic et par David Rhodes dans The Brooklyn Rail, entre autres.

Elle commence à peindre intensivement à l'âge de 13 ans et, plus tard, passionnée par les mathématiques et les frictions sociales, elle commence ses études d'économie à Buenos Aires, tout en continuant à dessiner pendant son temps libre. En 2002, elle obtient un doctorat en économie du MIT. Ayant mené pendant de nombreuses années une double vie entre art et recherche économique, elle abandonne à 36 ans son poste de professeur d'université pour se consacrer entièrement à l'art.


À qui est cette Rayure, de toute façon ? Par John Yau, 30 novembre 2022, Hyperallergic (traduit de l'anglais)

Je ne sais jamais quand je pourrais voir une peinture qui me donne envie de la regarder à nouveau, de regarder plus longtemps et de réfléchir davantage à ce qui est devant moi. Récemment, j'ai fait une lecture chez M. David & Co., une galerie de Brooklyn dirigée par l'artiste Michael David. Lors de la lecture, chaque poète se tenait devant un grand tableau composé de deux toiles de tailles différentes accolées et accroché seul sur un mur en retrait. Même si quelqu'un semblait toujours se tenir devant le tableau, j'ai été frappé par ce que j'ai vu. Après la lecture, alors que les gens traînaient, buvaient du vin et parlaient, David m'a présenté l'artiste, Astrid Dick, dont le travail était présenté avec celui d’Erika Ranee dans l’exposition Paintings paintings: A Leap of Fate chez M. David & Co. (du 28 octobre au 11 décembre 2022). Quand j'ai parlé à Dick de cette peinture, j'ai appris qu'un critique lui avait dit qu'elle ne pouvait pas peindre des rayures parce que Sean Scully et Frank Stella les avaient déjà peintes. Cela m'a frappé comme l'une de ces remarques manifestement stupides - comme "la peinture est morte" - qui circule encore dans le monde de l'art.

J'ai décidé d'en savoir plus sur Dick, d'autant plus que les autres peintures que j'ai vues dans cette situation vraiment pas idéale suggéraient qu'elle n'avait pas de style signature ni même peut-être un sujet récurrent. En même temps, il était immédiatement évident que la même personne avait peint les différents tableaux que je pouvais voir (ou, plus exactement, entrevoir). Deux semaines plus tard, Dick et moi nous sommes rencontrés pour que je puisse revoir ses peintures et que nous puissions en parler. Entre-temps, j’appris sur son site Web qu'elle était née à Buenos Aires, en Argentine, et qu'elle avait tout juste 50 ans. En 2002, elle a obtenu son doctorat en économie du MIT. Six ans plus tard, après avoir atteint la sécurité économique en tant que professeur d'université, elle décide de quitter le milieu universitaire et de consacrer sa vie à la peinture. Elle était dans la trentaine, ce qui est rarement le moment où l’on choisit de laisser derrière soi les pièges de la sécurité. Elle m'a également dit qu'elle avait brièvement étudié l'art à Saint-Pétersbourg, en Russie, mais qu'elle était essentiellement autodidacte.

Ce qui m'a marqué dans le premier tableau que j'ai vu, c'est l'appariement des deux toiles : une plus petite composée de rayures verticales recouvertes de paillettes de différentes couleurs, une bande rose vif près du milieu et un panneau plus grand avec deux bandes verticales vaguement peintes en rose courant au milieu du tableau. Pour cette toile, Dick a posé différentes viscosités de peinture dans les rouges, les violets, les verts, le jaune moutarde et le bleu sur un fond blanc. Le processus était additif ; rien ne semblait avoir été gratté ni complètement recouvert.

En traversant des bandes horizontales, le coup de pinceau devient plus sec en traversant la surface de gauche à droite. Les coups de pinceaux verticaux et horizontaux, qui ont tendance à s'enrouler vers le bas sur le côté droit, donnent à la peinture une structure sous-jacente lâche et délimitent des zones ouvertes dans lesquelles l'artiste a peint des petites fleurs rouges et des rafales rapides de jaune. Un mince X bleu est l'une des dernières marques que Dick a faites. Chaque marque semble être faite en réponse à ce qui l'a précédée.

Alors que j'étais assis dans le public en écoutant les deux autres poètes, une rêverie que j'ai eue pendant une accalmie était que les rayures scintillantes me rappelaient un gâteau d'arlecchino (carnaval) et qu'il y avait quelque chose de festif dans cette peinture. C'était cette association qui faisait que ces rayures ne ressemblent à celles de personne d'autre. Les roses, jaunes, verts et rouges de la toile de droite, avec ses tensions entre la structure et la gestuelle, contrôle et liberté, entretenaient un dialogue vivant avec les rayures scintillantes. Ce n'est que plus tard que j'ai appris que le tableau s'intitulait "My Kitty Loves Carnival Cake" (2022). Cet alignement fortuit suggérait que les peintures de Dick proviennent d'un lieu d'intuition. Cela m’a aidé à expliquer ce qui avait retenu mon attention.

Ce sentiment a été renforcé par les autres tableaux que j'ai vus lors de notre rencontre un après-midi dans la galerie pour voir les tableaux de l'exposition ainsi que ceux de la réserve. Bien que Dick soit dans une certaine mesure une jeune peintre, elle a trouvé un moyen de créer quelque chose qui lui est propre à partir des inspirations qui l’ont touchées. L'une de ces inspirations est Chris Martin, sur qui j'ai écrit pour la première fois en 2005. Depuis la fin des années 1970, Martin a commencé à se frayer un chemin à travers les motifs de divers artistes jusqu'à ce qu'ils deviennent les siens. Artistes comme Paul Feeley, Alfred Jensen, Forrest Bess, Myron Stout et le peintre de Brooklyn, James Harrison. Ce même engagement avec les mêmes influences peut être retrouvé dans le travail d'autres artistes qui, comme Martin, vivaient à Williamsburg à la même époque : Peter Acheson, Rick Briggs, Katherine Bradford et Charles Yuen. Il y a quelque chose de brut, direct et maladroit dans le travail de Dick qui la relie à ce groupe.

Ce qui m'intéresse dans les peintures de Dick, c'est leur combinaison d'insouciance et de gravité, et comment l'équilibre entre les deux peut changer, ajoutant aux nuances des sentiments contradictoires qui sont évoqués. Une de mes toiles préférées est son hommage « For Piet » (2021), dont le petit format (20cmx28cm) était étranger à Mondrian. La composition est simple : une bande composée de rectangles jaunes, bleus et rouges parcourt le tiers inférieur de la toile blanche. C'est comme si elle avait isolé une partie d'une bande horizontale de "Broadway Boogie Woogie" de Mondrian (1943). Le positionnement de la bande par Dick correspond à peu près au seul cas où les couleurs sont disposées dans le même ordre que dans "Broadway Boogie Woogie".

Les couches de bleu de Prusse dans "Paris Bleu" (2021-22) invitent les spectateurs à regarder dans la couleur, allant du bleu le plus obscur aux zones submergées de bleu plus clair. En haut, une bande céruléenne vaguement peinte sépare l'étendue de bleu de Prusse en dessous de l'orange, du jaune et du rouge ardents au-dessus. Cela m'a rappelé à quel point la Seine peut devenir sombre et aussi les levers et couchers de soleil à Paris. Et pourtant, cette peinture a également incité ce spectateur à au moins regarder à l'intérieur, à se souvenir des différentes circonstances environnementales de regarder une rivière la nuit.

Dans la peinture verticale «Persiana Americana» (2022), Dick semble avoir commencé avec un fond jaune brillant, sur lequel elle a posé du rouge, du vert mousse et du bleu sans toucher les bords, sauf dans quelques petites zones. Entre les bandes horizontales en jaune, bleu, blanc, ainsi qu'au moins une ligne rose sale et une ligne magenta, on voit des gouttes verticales. Parfois, les bandes superposées divisent la couche précédente en bandes peintes de manière lâche, effondrant la distinction entre la figure et le fond. Comme "Paris Bleu", c'est un tableau dans lequel on regarde à l’intérieur. Structure, gestuelle, solidité et dissipation existent ensemble. Plus vous regardez le travail de Dick, plus vous verrez qu'il prend tout son sens.